Observações sobre Arte

ARTE DA FICÇÃO - ALEX KALEB ROMANO E KIKA GOLDSTEIN

2010-07-06T12:27:00.000-07:00

Nas viagens de Gulliver gigantes existem. Aladim conhece um gênio. Alice encontra um risonho gato que flutua no ar. No mundo da imaginação tudo se fabula. No campo do irreal a realidade é fiada. Com palavras tecemos figuras. Com imagens podemos encadear narrativas. Alex Kaleb Romano e Kika Goldstein constroem suas trajetórias artísticas dentro destes parâmetros.
Criaturas fantásticas - habitantes de sonhos, seres criados pelas cores explosivas e vibrantes e pelas formas macias e outras quase diáfanas - povoam o mundo formado pelos trabalhos de Kika Goldstein. Em suas pinturas recentes já não conseguimos mais identificar um lócus que possa ser reconhecido pela nossa memória da experiência concreta. Podemos, por aferição, sugerir possibilidades de “reconhecimento” de um mundo subatômico, de uma paisagem extraterrestre ou de um mergulho microscópico em algo orgânico. Então, nossas referências parecem ter que ser suportadas pela nossa vivência com as narrativas ficcionais de ciência ou do fantástico. Não mais conseguimos definir a imagem pela experiência com o real, mas tão somente podemos nos aproximar dela pela imaginação.
Figuras de linhas finas, personagens feitos de formas vazadas ou que se configuram com a paisagem, estes são seres que encontramos nas imagens impressas ou desenhos de Alex Romano. Muitas destas figuras se conformam não em camadas, mas por integração com o conjunto – desenho artesanal participa de cenários fotográficos manipulados em computador. Ambientes naturais e vistas urbanas se fundem em seres de presença delicada e estranha. Um discreto desespero parece tomar conta destes simpáticos nativos da afeição visual e este sentimento torna-se manifesto por estes tão gentis seres por meio de gestos largos ou expressões melancólicas e contemplativas.
Entre a produção de Kika e Alex, além da aproximação que é dada por este clima irreal e fabuloso que os dois artistas articulam, também é possível reconhecer um modo de figurar que guarda relações com uma mesma matriz: a cultura visual urbana dos cartoons, HQs, grafites, ilustrações e charges. Em ambos os artistas, as obras se dispõem de uma maneira visual direta e afável, de agradável deglutição aos olhos. O modo de figurar e os tipos de seres e locais criados pelos dois parecem estabelecer contatos com um outro universo criativo que extrapola o das artes visuais - o narrativo das letras, do cinema e animações. O poder de sugerir imagens, situações interrompidas - quase frames de cenas - tudo isso faz com que os dois se tornem ficcionistas visuais, escritores de imagens.

Paulo Trevisan

texto para o convite

2010-07-06T12:18:00.000-07:00

A exposição Arte da Ficção é resultado do encontro dos trabalhos recentes de Alex Romano e Kika Goldstein. As obras estabelecem uma abertura para um universo irreal em que o fabuloso e o onírico constituem a matéria do mundo.

Alex Romano desenvolve uma linguagem que trabalha intimismo e relação com a cultura visual urbana. Kika Goldstein cria personagens e cenários de cores fortes e formas sedutoras, obras carregadas de imaginação.

Paulo Trevisan

texto de press release

Alexandre Matos e Vitor Mizael - Corpus in Obra

2010-06-12T14:00:00.000-07:00

Sabemos que a representação da figura humana na arte é universal. E que por meio da imagem do corpo obtemos, muitas vezes, um veículo expressivo da constatação da nossa existência. Existência esta que se faz de modo contínuo, diariamente, como uma obra em constante processo de realização. Alexandre Matos e Vitor Mizael, em seus trabalhos, também apresentam figuras humanas, a corporalidade destas e questões que permeiam a construção dos indivíduos.

Alexandre Matos
Rodas, 2009
Nanquim s/ papel

Alexandre parece nos arremessar num abismo em suas pinturas, desenhos e esculturas. Nestes trabalhos, as figuras não se apóiam em uma apresentação de linha de chão. Os corpos surgem juntos – característica freqüente em sua produção – numa aparente busca de equilíbrio entre si. Figuras parecem buscar um eixo de sustentação no meio do nada. Amontoados de corpos se juntam em círculos, cordões, totens. Outras vezes eles estão próximos mas não se tocam. Uma sensação mista de dança e acrobacias nos é criada ao observarmos tais obras. A redução das figuras em uma corporalidade linear também reforça a noção de sustentação precária e esforço constante para a manutenção de uma situação estável. Uma luta entre corpos e espaço parece ser travada. Leveza e delicadeza se somam nestas imagens em que escadas e pipas funcionam como extensões dos próprios seres.

Vitor Mizael
Auto-retrato, 2007

Nanquim s/ papel, 10x7 cm

Mizael constrói pontes com suas obras. O que é dito, palavra, media o que é visto – raios x, esqueletos, partes de corpos. A palavra e a imagem se unem exalando sensações. Desejo, amor, sexo, fragilidade, abandono - gravados nas entranhas, na pele, na carne. Uma desestruturação da imagem corporal banalizada nos mergulha em uma fluidez psíquica que a potencializa. O que é observado deve ser elemento para se constituir com sugestões o que é vivenciado. Mizael, não alinhava um discurso objetivo, mas trama com possibilidades de arranjos, entre palavras e imagens, o que cada um de nós pode “sentir na pele".

Percorrendo caminhos personalizados, cada qual nos remetendo a um universo próprio de problematizações e referências, os dois artistas se debruçam sobre a figura humana e a sua representação por meio do corpo e de outros elementos simbólicos que conformam cada ser. E assim, a representação da figura humana, explorada em sua corporalidade e em sua condição de existência lírica e trágica, é uma peça significativa na constituição de seus corpus de obra.

Paulo Trevisan

Exposição Corpus in Obra

2010-06-12T13:11:00.000-07:00

convite

As palavras, os objetos, a aparência – do externo e também do interno – são elementos da poética de Vítor Mizael ao constituir sua trajetória sobre relações em torno do corpo e do espírito, do afeto e do sensual, da matéria e da cultura.
Nos trabalhos de Alexandre Matos, a linha estabelece o limite dos seres, do equilíbrio e também da tensão nas figuras que são alongadas, afinadas e descarnadas e que pairam no espaço, representado no campo bidimensional ou em sua existência real.
Em ambos os artistas, nota-se a representação do corpo como fonte para reflexões mediadas pela tensão e pela delicadeza, pela fragmentação e distorção, transparência e leveza, expansão e limite, angústia e satisfação.

Paulo Trevisan - texto de press-release

Detalhes da montagem

Artes no Brasil em 1968

2009-01-04T08:15:00.000-08:00

Considerado um dos momentos mais marcantes daquela década, o ano de 1968 foi marcado por manifestações políticas, comportamentais e artísticas que propunham a abertura para novas possibilidades da existência humana.

As artes plásticas produzidas no Brasil de então são um sintoma dos movimentos propositivos e de renovação que se desenvolveram ao redor do mundo ao longo dos anos 60.

Dois posicionamentos perante o fazer artístico apontavam para as consideradas vertentes mais atualizadas no período. Por um lado tínhamos uma figuração de aspectos extraídos da linguagem visual dos meios de comunicação em massa; por outro, as manifestações de ruptura com os suportes convencionais (como a pintura sobre tela e as esculturas naturalistas em bronze ou mármore) e a radicalização da arte como proposição participativa e não apenas de visualização contemplativa.

Este estado das coisas no campo das artes visuais brasileiras era decorrência de quase uma década de pesquisas e alinhamento com o cenário internacional que se abria para a revigoração de preceitos que partiam das propostas mais radicais das primeiras décadas do século XX, tais como o Dadaísmo e os postulados de Marcel Duchamp.

A apropriação, a participação, a percepção corporal (individual ou coletivo) no contato do público com a obra (ou proposta do artista), e um sentido anti-estético, foram trabalhados por artistas como Lygia Clark, Hélio Oiticica e Lygia Pape. Estes anti-artistas faziam a aproximação máxima entre arte e vida.

Lygia Clark
Diálogo - Óculos, 1968

O uso do vocabulário formal extraído das linguagens da comunicação de massa funcionava como instrumento para um outro grupo de artistas alinhados com a pesquisa e renovação na prática artística figurativa. A linguagem Pop, de cores vibrantes e planas, contornos definidos, contrastes marcados e uma tendência à síntese formal, era o recurso utilizado para a apresentação da consciência artística sobre a realidade brasileira – consciência tomada pela presença das forças ditatoriais do Regime Militar implantado em 1964. Imagens extraídas de jornais e revistas e reelaboradas pelos artistas foram apresentadas em obras de Rubens Guerchmam, Antonio Manuel, Cláudio Tozzi, Antonio Dias e Anna Maria Maiolino. O teor político destes trabalhos permite que possamos elevá-los à categoria de obras-denúncia.

Estas duas posições diante das possibilidades mais avançadas de criação artística, muitas vezes se emaranhavam em trabalhos que buscavam um sentido participativo e ao mesmo tempo atrelavam-se a uma figuração ou alusão ao contexto sócio-político. Isto é visível em parte da produção daquela época de Nelson Leirner e Wesley Duke Lee.

Rubens Guerchman

Policiais Identificados na Chacina (Registro Policial), 1968
colagem, espelho, asas de borboleta
e madeira, 167 x 150 cm

Em 1968, tínhamos no Brasil uma efervescência cultural que perpassava as artes visuais e viabilizavam a experimentação e o envolvimento crítico perante a realidade. Conseqüência de um processo desencadeado no início da década, esta efervescência atingiu sua plenitude nos últimos anos da década de 60. Porém, não perdeu sua vitalidade e continuou funcionando como propulsora para o desenvolvimento futuro das artes. A força criativa pregada naqueles anos gerou um legado de obras de alta qualidade formal e simbólica e possibilidades de experimentação que podemos identificar ainda atuantes nos dias de hoje.

Hélio Oiticica

Seja marginal seja herói, 1968
Estandarte (tecido e serigrafia)

Amanda Mei

2008-03-12T09:10:00.000-07:00

Amanda Mei

Devolução, 2004
site specific
(placas retiradas das ruas e pintadas)

Proposta redigida pela artista

"Devolução (a espera por uma legenda)"
PROPOSTA PARA SITE SPECIFIC
Esta ação consiste na apropriação de placas de rua como suporte para pinturas, que depois são devolvidas, não necessariamente no mesmo local.
A ação se completa quando a placa é instalada na rua novamente a espera de uma segunda placa que legende o espaço pintado.
Três hipóteses;
- a placa pode ser roubada/retirada
- não conseguir uma legenda
- ficar esperando / ser ignorada / desapercebida
Materiais;
Placas de rua, tinta acrílica, corrente, cadeado e transporte ate o local.
Espaço ocupado;
Cruzamento e/ou esquina ,um local onde exista outras placas

corpo/ Arte/ imagem

2007-12-26T17:06:00.000-08:00

O corpo como presença torna-se recorrente nas discussões da arte contemporânea. A partir dos anos 1950, questionamentos fundantes foram postos por pioneiros como Yves Klein, Piero Manzoni, Robert Rauschenberg e Alan Kaprow. A reivindicação da utilização do corpo do artista, ou do espectador, tornou-se o alvo para novas linguagens como body art (Marina Abramovic, Cris Buren, Ana Mendieta etc) e performances (Jim Dine, Joseph Beuys, Carolee Schneemann) e para as experiências sensoriais (Hélio Oiticica e Lygia Clark).

Marcela Tiboni
O gesto do artista, 2003
Fotografia

Sedimentadas pelo tempo, nos últimos anos, as linguagens se confluíram e se hibridizaram. Trabalhos conhecidos apenas por registros passaram a funcionar (e a se confundirem) com a obra final. Muitos dos trabalhos realizados, utilizando o corpo como suporte ou meio, sobreviveram através da documentação fotográfica. Assim, hoje, podemos acessá-los através de imagens que nos informam parcialmente sobre eles.
A exibição destes documentos em galerias e museus passou a ocorrer com freqüência, possibilitando que, em muitas vezes, sejam confundidos (ou mesmo tomados) como obras em si mesmos. A imagem deixa de ser documento para ser entendida como resultado em si.
É neste intervalo que esta exposição trabalhará, observando uma nova geração de artistas brasileiros, que desenvolve poéticas que em alguns aspectos se aproximam. Estes artistas, por exemplo, recorrem na utilização do corpo - no caso desta exposição do próprio corpo - para atingirem como resultado do trabalho uma imagem (apresentada como o resultado, como a obra).
A obra como imagem, e não como simples registro de performance, body art ou arte sensorial e de ação, vale-se da presença física do artista como elemento atuante, que participa e potencializa seu poder discurssivo, remetendo para aspectos múltiplos do trabalho como a imagem do artista (ou a auto-imagem), corporalidade e a condição física do corpo como elemento cultural e/ou natural (integrante de um ciclo da vida na Natureza).

Fernanda Figueiredo
Sem Título, 2003
Fotografia

Nos trabalhos selecionados, as imagens também propõem problemas de poéticas personalizadas, como ocorre com Fernanda Figueiredo que se vale do próprio corpo como superfície para o desenho. Os desenhos realizados com batom (normalmente vermelho), por ela mesma, nos oferecem um universo de figuras, ora inocentes, ora sensuais. O teor de feminilidade, corporeidade e sexualidade formam o centro de discussão desta artista que mergulha numa reflexão cultural da percepção e da representação do corpo feminino e da feminilidade. Ou Marcela Tiboni, que representa a sua experiência com a pintura (e seus elementos constitutivos) através de “dramatizações”, em que incorpora o poder da cor, a maleabilidade das tintas, o poder emotivo da pintura e o reconhecimento de si nas imagens representadas na arte.
As obras de Guilherme Teixeira discutem a relação homem, cultura e natureza. A imagem do artista aparece mergulhada em elementos naturais, como água, ou ainda, povoando a paisagem. Um sentido espiritual primitivo parece nortear a sua relação (e sua presença física) no mundo natural.

Guilherme Teixeira
Deslocamentos, 2005
Fotografia

Vitor Mizael, com uma percepção do Eu intimista (mediada pela palavra escrita), mergulha na interioridade física orgânica (com imagens conseguidas através de radiografias) para atingir a expressão do encontro entre o Eu físico (matérico) e o Eu espiritual (dado pelos elementos culturais presentes na linguagem verbal). Em seus Auto-retratos palavras definidoras de estados da alma (tristeza, angústia) e de estados físicos (limpeza) se somam às imagens do interior físico que não se vê.

Vitor Mizael
Auto-retrato (Vazio), 2005
Intevenção em radiografia

Em todos os casos, os artistas se valem da imagem como concentradora de suas poéticas, e como fim no resultado de seus trabalhos, apresentando o corpo como participante do trabalho e de seus significados.
A riqueza de debate proposta pelos enfoques de poéticas particulares, pautadas na concepção de imagens como obras, mas motivadas por questões que incluem ou evidenciam o corpo, a presença do artista e sua apresentação e/ou representação na obra é motivo para reflexões sobre os andamentos da arte atual. Um ponto para a reflexão sobre esta nova geração, e seu modo de se vincular com as conquista postas no contexto da produção contemporânea.

PS: Texto escrito em 2006, originalmente para um projeto de curadoria.
Optei, para esta seleção, trabalhos em imagens fotográficas ou similares (radiografias), por questões de viabilidade do projeto. Mas a discussão sobre a imagem pode ser levada para outros suportes como o vídeo, meio que guarda grande número de trabalhos com questões similares às propostas nesta curadoria.

Aline van Langendonck - O Gesto da Luz

2007-05-31T13:14:00.000-07:00

Aline van Langendonck
Sem Título, 2001
Óleo s/ tela
Col. Particular - SP

Aline van Langendonck
Desenho, c. 2002/04
Nanquin s/ papel

Pitágoras

2007-04-30T13:54:00.000-07:00

Thais Albuquerque - Fantasmagorias na Pintura

2007-03-19T17:59:00.000-07:00

Como pintar hoje sem não se debater com a tradição artística mais consolidada e discutida no ocidente? Como pintar com relevância para os enfrentamentos culturais dos nossos dias?
Respostas a estas indagações é o que parece promover as pinturas de Thais Albuquerque. Sua produção pictórica põe em discussão a percepção da própria história da pintura. O modo de trabalhar da artista se relaciona com o meio mais tradicional de pintar e guarda, portanto, relações com os grandes mestres do passado. Suas criações vêm fecundadas com o que de melhor ficou destes pintores.
Distante de prolongar pensamentos greenberguianos de superfície, ou de tendências dos oitenta do século passado como o transvanguardismo de Bonito Oliva, Thais parece não buscar qualquer tipo de inovação ou avanço em relação à história da pintura, mas adota uma atitude que se transforma em uma espécie de revelação do sentido da tradição pictórica na atualidade. Demonstra um embate determinado no desvelar do real papel, nos nossos dias, da Pintura de outras épocas. Com crueza nos apresenta o estado de horror causado pelo passar do tempo sobre a Arte e suas obras. No fim tudo se esmorece.

Uma Rainha para Bacon, 2005

pintura mista sobre madeira, 150 x100 x 3 cm

Suas pinturas se revelam assombrosas. São espectros de uma tradição cansada, exaurida. Projeções fantasmagóricas de obras de grandes mestres como Botticelli, Bacon e Vemeer. Constituem-se de fatura agressiva - arranhaduras, raspagens e pincelados fortes – e de tons pesados, escuros ou pálidos, estruturados pelo esmaecido, pelo esbranquiçado e pela cor do não vívido.
Suas figuras surgem apavorantes. Sem olhos, com expressões pesadas, melancólicas, tez pálida e fria, vestes de modas remotas, assim emergem as personagens de obras de antigos mestres que parecem terem sido deslocadas de seus suportes originais (que lhes configuravam graça e vivacidade) para migrarem para nosso tempo – uma outra realidade, distante de seu momento de fecundação e auge de significação -, agarrando-se agora, para sobreviver, em pedaços abandonados de madeiras e telas e evidenciando, por conseguinte, seu cansaço e sua ausência de vitalidade. São figuras que parecem revelar a exaustão de suas existências prolongadas pela obrigação e pelo peso da memória.

Sem Título, 2005

pintura mista sobre madeira, 48 x 23 x 3 cm

Coleção Particular, SP

Vênus de Botticelli, 2005

pintura mista sobre madeira, 110 x 110 x 2 cm

A artista sente a referência com respeito, mas percebe o estado genuíno das coisas, do real grau de latência germinadora daquelas antigas obras dentro do hoje. Um papel de fantasmagorias. Por isso, nos oferece uma apresentação do significado cultural atual destas obras dentro de sua própria pintura. Uma pintura consciente de ser pintura feita pós-Rafael, Rembrandt e Caravaggio, pós-El Greco e Goya, Cézanne e Picasso, pós-Rothko e Bacon. Uma pintura que não poupa a Pintura e revela seus mortos ainda vivos. Que trata do hoje sem renunciar ao ontem. E não se intimida em revelar o peso da passagem do tempo sobre os povos, as culturas, a pintura e a Arte.

Paulo Trevisan, 2006

A Noiva, 2005

pintura mista sobre madeira, 150 x 100 x 3 cm

ver:

http://braziliandrawsandpaints.blogspot.com/2006/10/thais-albuquerque.html

Rodrigo Braga - O Impacto da Imagem e a Desmistificação da Atitude

2007-02-14T14:53:00.000-08:00

Alguns trabalhos do jovem artista pernambucano Rodrigo Braga possuem o poder de nos causar o desconforto. E, em especial, as séries “Fantasia de Compensação” e “Risco de Desassossego” (ambas de 2004) e “Sem Título” (2005) criam em nós um incômodo inquietante.
O que nos interessa aqui por em questão é a validade desta sensação, uma vez que, por meio das etiquetas de identificação das obras, ou através dos monitores que trabalham nas exposições, temos a possibilidade de cairmos no desconcerto constrangedor ao tomarmos consciência do anúncio - escrito nas plaquetas ou dito oralmente - da manipulação digital das imagens.

Sem Título, 2005

manipulação em imagem digital

Ao nos apercebermos deste jogo visual ludibriante temos uma “decepção” em relação à intensidade e a força do impacto que teve sobre nós tais imagens.
Portanto, uma vez que o artista nos concede esta informação (a da manipulação da imagem) de uma maneira ou de outra, dispondo-a ao nosso alcance – seja pelas etiquetas ou pela orientação dos monitores –, podemos reorientar agora o motivo do seu trabalho não mais para a ação do artista apresentada nas imagens fotográficas, mas para a problemática da função e do poder da imagem nas artes visuais e da veracidade da atitude do artista (que a partir das vanguardas tardias foi posta em destaque frente a outras características de um trabalho artístico, tais como o resultado formal, a habilidade de confeccionar manualmente e a materialidade da obra).
Se o anúncio da estratégia do artista para a constituição de seus trabalhos é dado de maneira tão imediata e espontânea – o que a princípio pode nos causar uma sensação de falência da obra – temos que nos atentar justamente para esta estratégia – a do revelar, explicitar esta artimanha - e perceber que é neste intervalo criado pelo jogo entre o que e como se apresenta na imagem e a ilusão que estas realmente são, é que se estabelece a força do trabalho de Rodrigo Braga.

Fantasia de Compensação, 2004
manipulação em imagem digital

Num período posterior a manifestações radicais exibidas por Marina Abramovic, Hermann Nitsch, Gina Pane e Rudolf Schwazkogler, entre outros, o artista brasileiro parece deslocar o foco do problema da obra da atitude – que era a força nos trabalhos dos artistas mencionados – para o impacto da imagem por si só.
Não sendo fruto de ações contundentes, agressivas e viscerais, as imagens fotográficas de Rodrigo criam a nulidade do primeiro efeito que nos geram: o da repulsa, o da experiência estética do feio, e o do choque.
Ao nos deparamos com as obras do artista, duas sensações nos percorrem automaticamente: 1) a do incômodo - pela recusa por ser uma verdade que nos agride, mas que também nos atrai pelo magnetismo que temos por aquilo que negamos; 2) a de frustração - por nos apercebermos acometidos por sensações correspondentes àquela verdade dos “registros documentais” e logo em seguida constatarmos a “fraude” promovida pelo artista que anula a experiência anterior.
O sentimento de confusão entre querer a realidade do que se apresenta na imagem - para continuarmos com a experiência do impacto - e a negação da verdade que desmistifica aquela ação, a banaliza, a traz para o nível do “truque” é o sentido mais profundo nestas obras do artista.

Risco de Desassossego, 2004

manipulação em imagem digital

Nestes termos, estes trabalhos são exemplos bem sucedidos do poder do artista quando este descobre pontos de tensão que podem dar continuidade aos desdobramentos da arte hoje - tantas vezes banalizada por estratégias pobres e derivativas sem imaginação e/ou inteligência.

Paulo Trevisan, 2006

ver:

http://www.rodrigobraga.com.br/

Cássio Vasconcellos - Imagens da cidade

2007-02-01T08:26:00.000-08:00

Os trabalhos fotográficos de Cássio Vasconcelos apresentados em sua última mostra na Galeria Vermelho reforçam o uso de procedimentos adotados pelo artista já há algum tempo como elementos constitutivos de seu modo de perceber a urbe.
Nestes trabalhos, imagens da cidade são recortadas e fixadas em hastes que compõem um ambiente. A obra facilmente receberia a categorização de instalação, mas acredito que o interessante - muito mais do que pensar se o trabalho é uma instalação, fotografia ou “foto-contaminada” - é perceber o que ela pode propor como leitura, como significado nesta relação da imagem fixada pelo artista e transposta em fragmentos para o espaço.
Na sala da Galeria Vermelho, a imagem da cidade – dividida em vários suportes – fragmentada, parece reivindicar sua reintegração numa única configuração. Mas percebemos que existe uma resistência evidente entre as partes formadas pelas hastes com os fragmentos que interferem na rearticulação da imagem, não permitindo que ela se forme totalmente em nossos olhos sem a constatação de um “eco” – um ruído espacial existente entre as partes. Em suma: buscamos, na sala, por uma posição que nos coloque defronte àquela imagem da cidade e que possa nos possibilitar a melhor visão de sua integralidade, no entanto esta não se dá com êxito total.

São Paulo, 2006

Vista da exposição na Galeria Vermelho-SP

A fragmentação da imagem, mais especificamente, da imagem da cidade, nos põe diante do dilema unidade/fragmentação que é a natureza intrínseca da cidade.
Composta por partes, uma cidade é a soma dos conjuntos que a compõem. As pessoas que transitam pelos espaços urbanos possuem uma percepção parcial do ambiente no qual estão inseridas. E esta percepção cambiante vai se transformando de acordo com a localização da pessoa – se esta se encontra numa calçada, num automóvel em uma avenida, ou em uma janela de um edifício pequeno, ou ainda se ocupa um terraço de um arranha-céu. No final, o que temos é a soma deste conjunto de visões e percepções formando a noção geral que constituirá a imagem mental daquele meio. Por certo então, nunca a imagem mental é formada por uma única visão, mas pelo contrário – ela se constitue da totalidade múltipla das diferentes percepções espaciais da urbe.
É neste campo, onde ocorre o embate entre captação, elaboração e reelaboração da imagem (da cidade) que se situam algumas das mais importantes obras de Cássio Vasconcelos – como a apresentada na Galeria Vermelho e aquela apresentada na Arte/Cidade Zona Leste (2002). Nestas obras o artista faz com que o espectador de seu trabalho busque um ajustamento corpóreo diante dos fragmentos fotográficos dispostos no espaço e que este favoreça a construção da imagem integral daquele ponto de vista da captação do registro fotográfico.

Uma vista, 2002
1 fotografia composta por 67 ampliações fotográficas,
70 luminárias e um visor (400x900x120cm)
Vista da exposição Arte/Cidade Zona Leste, Sesc Belenzinho-SP

O jogo entre imagem e espaço, percepção da imagem e construção da imagem, imagem física (foto) e imagem mental faz com que a estratégia aparentemente simples de cortar e dividir a imagem fotográfica - imagem em corpo físico - ultrapasse o mero ilusionismo e abra caminho para camadas mais densas de significados que possam existir entre os focos postos pelo artista: a imagem fotográfica e o espaço real; a construção da imagem mental e a percepção do ambiente urbano que a gera, e, ainda, o embate dúbio entre imagem capturada (no caso fotograficamente) e imagem mental (elaborada pela soma de múltiplas imagens percebidas).

Paulo Trevisan, 2006

São Paulo, 2006
Fotografia

Siron Franco - pinturas recentes

2007-01-27T04:50:00.000-08:00

Novas e antigas pinturas de Siron Franco

Território n3, 2006, óleo sobre tela 160 x 240 cm

Metamorfóse, 1979, óleo sobre tela 155 x 270 cm (dípitico)

Da série "O que vi na TV", 1999, óleo sobre tela 40 x 40 cm

Noite Azul, 2006, óleo s/ tela 200 x 300 cm

O espelho, 1975, óleo sobre madeira 150 x 120 cm

sites:

http://www.sironfranco.com/

http://www2.uol.com.br/sironfranco/texto01.htm

http://diversao.uol.com.br/album/siron_franco_album.jhtm

Pop Art e seu legado - entrevista com Paulo Trevisan

2007-01-15T15:33:00.000-08:00

Qual a relação, hoje, da publicidade com a Pop Art?

O que fundamentou a Pop Art foi a utilização de características visuais e estratégias desenvolvidas na sociedade de consumo e da comunicação em massa. A Pop explorou, principalmente, os recursos da linguagem visual - cores, superfícies amplas, o aspecto gráfico (linhas) - difundidos nas imagens das diversas mídias.
Hoje, esta linguagem gráfica continua se desenvolvendo e alimentando tanto os artistas como os publicitários.
Em muitos casos, a Pop (caracterizada pelos artistas dos anos 1950/60) servem como inspiração para a criação de propagandas (impressas, cinema, vídeos etc), em outros, a linguagem gráfica atual de quadrinhos e cartoons é que funciona como referência.

Roy Lichtenstein

Maybe, 1963

É possível percebermos a influência da Pop Art ainda hoje? Em que contexto?

Sim, percebemos a influência, talvez não diretamente da Pop dos anos 50/60, mas da grande herança deixada por este movimento: a relação entre o mundo visual da hight culture e da low culture, o primeiro representado pela arte erudita (de galerias e museus) e a segunda pelo universo visual da comunicação de massa e de consumo. Um exemplo é a onda que tomou os veículos de comunicação de massa (revistas, vídeoclips, vinhetas para TV, propagandas comerciais, editoriais de moda etc) que resgata e atualiza a linguagem psicodélica desenvolvida pelas artes gráficas dos anos 70. Outro exemplo é o grafite. Desde o seu surgimento, nos fins dos anos 70, ele estabeceu um vínculo forte com a linguagem gráfica dos mass media. A geração dos novos grafiteiros desenvolve um trabalho que se articula, com muita sinceridade, com a maneira de fazer imagem atual para comics, por exemplo.

O que o Sr. Espera da Pop Art para o futuro? O Sr. diria que a Pop Art também alcançou a posição de arte eterna?

É importante reforçar que a Pop Art é um movimento histórico, e que, portanto, se localiza no tempo – apresentando um início e um esgotamento (que podemos considerar a partir da morte de seus representantes e criadores). Neste sentido, poderíamos dizer que não existe, hoje, novos artistas da Pop Art, mas sim, herdeiros de alguns de seus elementos (principalmente os visuias) e que desdobram a sua principal contribuição – a relação entre hight culture e low culture. Portanto, acredito que esta relação, uma vez que nossa cultura ainda está impregnada das mesmas características que geraram a Pop, terá uma longa duração.
É difícil de afirmar se a Pop atingiu o caráter de arte eterna. Só o tempo dirá. Contudo, no que depender da sua perpetuação através da documentação, ela não deixará de ter seu papel na história da evolução das artes, uma vez que apenas cresce a quantidade de exposições, catálogos, artigos e livros que a divulgam.

Titi Freak

O Sr. acha que a Pop Art continua com a mesma força de quando ela foi criada nos anos 50? O que mudou de lá pra cá?

A Pop histórica (dos anos 50/60) está museificada, ou seja, ela é documento histórico e seus principais representantes estão mortos. Portanto, não dá pra dizer que ela continua com a mesma força, uma vez que ela já não existe como movimento ativo. Entretanto, como já mencionei, a herança que ela deixou – a adoção de caracteres da cultura visual urbana da comunicação e do consumo pela esfera mais “nobre” das manifestações artísticas – continua a ganhar cada vez mais adeptos. E o limite entre estas esferas é cada vez mais tênue e ambíguo. Posso mencionar artistas brasileiros que trabalham muito bem este contato que a Pop estabeleceu entre a cultura de consumo e a arte de galerias. Titi Freak é um exemplo - produz tanto para revistas como para galerias, assim como nas ruas (grafites). Herbet Baglione é outro caso, entre muitos que poderia aqui enumerar.

Herbert Baglione

Qual a importância da Pop Art na contemporaneidade?

Sua importância se deve ao fato de ter, definitivamente, estabelecido uma relação forte e saudável entre a produção visual da arte “nobre” e as artes da cultura de massa.

O que o Sr. tem a dizer para jovens que estão começando agora a entrar em contato com o mundo das artes?

Que estejam dispostos a mergulhar num universo rico de idéias e debates. Que, portanto, sempre se disponham a tentar compreender os movimentos da cultura (não se fixando em juízos pré-estabelecidos). E que, no final, ainda guardem sempre, em seus espíritos, o desejo por conhecer mais.

*Entrevista concedida, em outubro de 2006, ao jornal da Uninove (projeto realizado pelos alunos)

Vitor Mizael - Entre

2006-12-22T08:09:00.000-08:00

entre ossos e vestes – o corpo
entre o Mundo e o corpo – o Ser
entre o Ser e o Mundo – as palavras
entre o corpo e o Mundo – as vestes
entre os ossos e a carne – o Ser

Os trabalhos de Vitor Mizael tratam do ser e do estar no Mundo. Para tanto, o artista trama um discurso em que funde verbo e densidade imagética.
Em seus desenhos, colagens, gravuras e outros meios, utiliza um repertório de imagens – peças de roupas e ossos – e de palavras escritas – solidão, tristeza, angústia – que se tornam recorrentes. Entretanto, estes elementos não aparentam ser o alvo central de sua atenção. Parecem eles se disporem a apontar o que não se disse diretamente, o que ficou velado. Mais do que se deter nas figuras e palavras, o artista suscita um entendimento para o que se configura entre elas. E, então, entre ossos, roupas e palavras, o ser.
Necessário faz-se, para se constituir como um ser, o amálgama dos elementos naturais com os espirituais (ou da cultura). E, o reconhecimento de si por si e pelos outros se dá pela combinação singular de características corpóreas e fisionômicas, traços de personalidade, valores e comportamentos.
Tomando este pressuposto como referência, observamos que, em muitos de seus trabalhos, Mizael apresenta-se em auto-retratos. O auto-retrato - idéia de se observar e representar-se - trabalha com a compreensão do reconhecimento do eu e do seu papel diante do Mundo e diante do outro. Todavia, neste processo, não identificamos, nas obras do artista, um ser individualizado por aspectos corpóreos físicos, nem por palavras que os descrevam. O que temos é o reconhecimento de si como criatura universal, representada tanto em sua constituição orgânica (os ossos) como cultural (vestimentas e palavras).

Auto, retrato, 2006

Revelar a parte da existência que se transfigura para além de qualquer imagem particular – se identificar, no se auto-retratar, como ser natural e ser cultural, e, nos dois casos, se dissolver na caracterização de estados da alma (tristeza, solidão, angústia) e na ausência de caracteres físicos singulares – evidencia o desejo de se encontrar no coletivo, de se reconhecer no outro.
Para tratar do Ser, suas dores e angústias, o artista se apresenta como ser encarnado em forma de corpo, porém, apenas expondo os aspectos internos e outros externos a este, ou seja, ossos e vestimentas.
Articular o palpável (materialidade do ser) com o intangível (a existência do ser pelo verbo), eis aí um dos desafios ao se elaborar cada trabalho.
Como cada indivíduo se apresenta singularizado em um corpo, é quase indispensável tomar este como referência do ser. Contudo, não observamos, na obra do artista, o corpo - evidência da existência enquanto matéria - representado em suas carnes, mas pelos ossos que o estrutura. Por outro lado, as roupas vazias, soltas no negro do plano, funcionam como índice da corporalidade, da existência física do ser. O corpo, neste caso, é evocado pela sua ausência.
E, as palavras - códigos assim como gestos e vestimentas - revelam o ser ao Mundo e estabelecem a relação entre o espírito e todas as outras coisas. Sentimentos e sensações são, também por estes canais, expressos. E a existência do ser, seu estar no Mundo, assim se pronuncia.

Auto-retrato, 2006

Pelos caminhos que fogem do entredito, evitando o explícito, o imediato reconhecível, Mizael busca, por meio da representação do individual que se encontra no universal, aquilo que não está nas coisas, mas o que liga as camadas da matéria à essência, o que não se traduz por formas, o que fica entre.

Paulo Trevisan

sites:

http://www.pcarp.usp.br/acsi/mat13.htm

http://ubbibr.fotolog.com/vitormizael/

http://braziliandrawsandpaints.blogspot.com/2006/06/vitor-mizael-i.html

Fábio Tremonte - Desenhos da imaginação afetiva

2006-11-26T14:50:00.000-08:00

Os desenhos de Fábio Tremonte são resultados do desejo de uma vontade de projeção manifesta da interioridade e de um revelar o Mundo a partir de uma percepção particular. A subjetividade é, então, a força motriz de sua poética.
Valorizando as próprias características formais do desenho - a linha e o espaço - e a articulação entre estas, o artista estabelece com elas uma tensão suave de limites, criando obras que propiciam o jogo entre espaços internos e externos, entre figuras e planos. Ora pequenas figuras parecem oprimidas pelos vazios, ora o contrário – as figuras insinuam-se a tomar o plano por inteiro.
É, neste jogo espacial, entre o que é contido e o que contém, que também se abre possibilidade para a vontade comunicativa afetiva do artista - colóquio travado por imagens e escritas numa espécie de narrativa mnemônica. Soma das articulações de significados verbais e visuais que geram momentos que potencializam a poetização.
Na construção deste discurso visual, não linear, de Tremonte, a afetividade é seu filtro. A memória sua lente. E a imaginação, o lócus fertilizado pela carga da vivência tomada pelo sonho do que virá. As imagens postas pelo artista, portanto, também têm as qualidades deste mundo subjetivo e parecem recusar à existência concreta, querendo guardar suas características natas oferecendo resistência ao nosso mundo físico com suas qualidades intangíveis. Como não corromper o inefável ao dispô-lo com a matéria?
Assim, os desenhos do artista se pronunciam como um desejo expressivo, carregado pelo poder lírico que transborda em toda sua produção. Não são resultados de uma observação analítica da vida e do mundo. Mas frutos da experiência afetiva marcada pela lógica emocional.
As figuras, algumas recorrentes, desvelam o poder da síntese, característica intrínseca do desenho do artista, e que se reforça no todo de sua poética: poucos traços e poucas figuras. Enxutos em seus aspectos visuais aparentes, estes trabalhos abrem caminho para a potência da imagem e também da palavra. Desta maneira, surgem o feto, o pássaro, o corpo pendurado na corda, o coração e outras tantas figuras que são (ou não) emaranhadas a palavras como céu (cielo), solidão, run away, casa...
Os afetos, sugeridos pelo encontro de palavras e figuras, conotam situações e momentos registrados ou projetados. E, no campo de imaginação afetiva, tornam-se traduções imagéticas de sensações experimentadas.

Paulo Trevisan, 2006

ver também:

http://valderramas-project.sites.uol.com.br/

http://marcelomaluf.blogspot.com/2007/03/urgncia-do-sublime.html

http://desenhozzzzz.zip.net/

http://mobileblog.zip.net/

Thais Albuquerque - Arte e Vânitas

2006-11-14T09:44:00.000-08:00

As obras de Thais Albuquerque nos provocam a inquietude. Sensação esta motivada pela constatação do efêmero das existências, dado pelo próprio fluxo da vida.
A artista trabalha com restos de materiais artísticos ou não - telas mofadas e rasgadas, objetos danificados, sobras de madeira, listas e enciclopédias antigas - muitos deles encontrados abandonados ao seu redor ou mesmo pelas ruas.
O processo de colagem e a utilização de métodos de gambiarra (enrolar, amarrar, pregar e prender) geram caixinhas, livros, pequenas engenhocas – que têm somados à sua superfície decalques e desenhos de traços enérgicos, quase toscos, de uma grafia nervosa e, ao mesmo tempo, delicada. Obras de tensão explícita entre uma apresentação rústica e elaborada, agressiva e delicada.
Thais compõe, com decalques colecionados e desenhos garatujados e borrados, sobre papéis ordinários e desgastados - folhas de listas de endereços, jornais e enciclopédias -, imagens que revelam a efemeridade das coisas do mundo. Nestas superfícies de registros gráficos impressos e corriqueiros vemos brotar crânios e outros ossos entremeados por flores, “santinhos” e crianças.
Em uma de suas séries, estas imagens são cobertas por folhas de vidro revestido com plástico contact. O vidro é quebrado por duros golpes, porém pemanece a unidade da placa graças ao plástico. Assim, harmoniza-se o revestimento e as imagens, e reforça-se a noção de fragilidade e perecibilidade das coisas. Em um outro trabalho, um pé de sofá é preso em um pedestal, no topo, uma lâmina de barbear está presa. Conforme a peça gira, dado que ela possui esse joga atrativo de mobilidade que convida o observador à brincadeira - a um desprender-se lúdico - a “garganta” do pé vai sendo cortada pela lâmina da gilete. Desta forma, a obra ao produzir o seu fascínio também propicia a sua falência.

A arte, como sistema desenvolvido no ocidente, principalmente após as conquistas de status de atividade intelectual pelos mestres renascentistas, se vincula a um fluir de vaidades, alimentado muitas vezes pelas próprias escolas de artes e em tantos casos pretendida pelos próprios artistas. Por outro lado, o objeto de arte como fetiche é a representação da vaidade envolta por posses e distinção cultural e econômica.
Olhar para os objetos findáveis, e até auto-destrutivos, de Thais, seus desenhos e colagens e não reconhecer neles o discurso da finitude das coisas e, portanto, da relação que se estabelece entre o tempo e a vaidade humana, torna-se difícil, senão impossível. Neste embate, as obras da artista evidenciam o seu amor pelos materiais ordinários, o que já foi descartado ou é extremamente comum e ataca frontalmente qualquer possibilidade de atrelar a produção artística, ou a imagem do artista, a esta noção de pompa e esnobismo. Porque, no que se refere ao agradável, à beleza estética ornamental e ao luxo dos materiais, seus trabalhos se vestem de um fazer malfeito, de sobreposições, arranhões, materiais pobres e uma precariedade que pode incomodar os observadores mais despreparados.
Nas imagens representadas – flores, crianças, ossos, santos – como não poderia deixar de ser, explicitam a proximidade revigoradora do mote presente nas pinturas do século XVII, as Vanitas, que se vinculam a um discurso de alerta às sociedades barrocas contra a mundanidade, a superficialidade produzida pelo amor às riquezas materiais e aos prazeres físicos do corpo. Se, por este caminho então, encontramos na produção de Thaís um pensar sobre o tempo e a finitude, devemos observar como este é afastado, por ela, das questões de cunho meramente religioso ou místico. Mas, como artista de seu tempo, desenvolve o que lhe interessa desta questão nuclear: a vaidade individual das pessoas e, principalmente, a vaidade no sistema artístico (em suas instâncias mais distintas como fazer arte, comprar arte, apreciar arte, e viver arte).
A cabo, seus trabalhos geram uma compatibilidade díspar. Com ternura e agressividade, força e delicadeza, Thaís transforma o que foi descartado daquilo que já nasceu não-nobre, em um grito de grostesca beleza - que envolve o banal e o fugidio, a perecibilidade humana e das coisas naturais ou construídas. Beleza esta encontrada tanto na arte como nas flores, no corpo, nos objetos e nas palavras, e não obstante, na ruína destes todos.

Paulo Trevisan, 2006

ver:

http://braziliandrawsandpaints.blogspot.com/2006/10/thais-albuquerque.html

Edouard Fraipont - Um Indeterminado

2006-10-30T19:48:00.000-08:00

A exposição atual do artista Edouard Fraipont, no Centro Cultural Banco do Brasil em São Paulo, aponta para ampliação de sua investigação.
Nas novas obras apresentadas, a imersão do corpo na paisagem favoreceu a condensação da matéria corpórea. O corpo, em trabalhos anteriores, era apresentado em ambientes neutralizados que guardavam para a figura corpórea sua desmaterialização em luz. Esta atenção dada para a desconstrução da imagem corporal em silhueta etérea gerava uma suspensão do tempo e do espaço. A imagem – pela sua caracterização em aura de energia, em imaterialidade – renunciava ao aspecto da materialidade do modelo e evocava a transcedência.

Sem Título, 2006

Com a situação da figura – agora adensada em uma forma corpórea tátil – em amplas paisagens beira-mares, temos uma potencialização da força de integração homem/cosmos. A figura humana se expande em prolongamentos luminosos enquanto que areia, mar e céu parecem receber silenciosamente este ser em dissolução ou expansão.

Sem Título, 2006

A mostra, realizada no cofre – subsolo do edifício -, se por um lado guarda esta agradável surpresa em relação ao processo artístico de Fraipont, que ganha novas possibilidades, por outro peca ao exceder na quantidade de imagens exibidas. Um número grande de obras ali reduz a força de alguns bons trabalhos. Algumas imagens geradas pelo artista são por demais próximas da construção – ângulo, luminosidade, enquadramento - de outras, e aparecem na mostra como eco. Outro fator que prejudica o artista é o núcleo da exposição – a parte interna do cofre - que recebeu uma mesa sobre a qual um conjunto de reproduções de imagens, em pequeno formato, reveladoras do processo do artista (fixadas em manta magnética) podem ser manipuladas e arranjadas pelo visitante nas paredes de metal. Estas imagens que deveriam ser descartadas pelo artista se juntam às das obras expostas no corredor, banalizando as de melhor resultado.
Temos, então, nesta exposição, dois momentos de dissolução daquelas poucas imagens que merecem receber a designação de “obra-de-arte”: 1o – quando o artista preenche todos os espaços do corredor, criando uma ruidosa apresentação de imagens que evocam o silêncio. Ainda a presença de tantas imagens inibe a força que algumas ganhariam se fossem vistas isoladamente ou próximas de poucas outras; 2o – ao expor, dentro do cofre, em pequeno formato, reproduções das obras já exibidas no corredor e juntá-las com outras tantas que são testes, experimentos mal sucedidos, e, ainda, favorecer a brincadeira de manipulação por parte do expectador, o artista faz com o sentido de seus trabalhos se dilua.
Em suma, a exposição é uma apresentação de alguns bons trabalhos que redimensionam a representação, a espacialidade e o uso da luminosidade na obra de Fraipont, porém também é um ótimo exemplo do que um artista não deve nunca fazer ao montar uma mostra: favorecer o apequenamento de seu trabalho.

Paulo Trevisan, 2006

ver:

http://diversao.uol.com.br/album/edouard_fraipont_album.jhtm

http://www.galeriavermelho.com.br/

Marcela Tiboni - Arte como experiência com a Arte

2006-10-22T09:56:00.000-07:00

A trajetória de Marcela Tiboni vem constituindo-se de trabalhos nos quais, sob o código da assimilação pela vivência e as experiências decorrentes desta, desvela-se a relação da artista com a Arte.
Suas obras são motivadas pela sinceridade da apresentação metafórica (que toda boa obra de arte carrega consigo) do olhar e do sentir, terrenos privilegiados na seara artística. Desta forma, para Marcela, o gesto do artista ou o olhar do artista se configuram impregnados pela própria matéria da Arte. E, deste modo, nos coloca que a Arte não se encontra apenas no objeto produzido pelo artista, mas em todo o processo desenvolvido por ele, manifestando-se, portanto, no momento da concepção e realização, e, também, na própria fruição realizada pelo espectador.
Em torno desta discussão sobre a Arte, o seu fazer e o seu sentir, a artista cria, de forma pulsante e densa, um breviário que acolhe todas as instâncias que envolvem uma obra de arte e seu fabrico. E assim nos evidencia: Poderia o olhar do artista não estar impregnado pela carga que carrega consigo de suas experiências de sensibilização e reflexão intelectual produzidas com a Arte, sua história, e seus processos? E este mesmo olhar já não guarda em si o gérmen que se constituirá num trabalho finalizado? E o gesto? Este, por sua vez, não é também matéria da Arte, na medida em que ele é elemento participativo do momento da criação?

O olhar do Artista, 2003

Fotografia

Colecão Particular, SP

Questões como estas podem ser postas a partir de trabalhos como ‘O olhar do artista’ e ‘O gesto da Arte’, ambos de 2003. No primeiro, um olho se apresenta em close em meio a tintas coloridas que parecem emoldurá-lo, mas que também insinuam originarem-se a partir dele próprio. No segundo, mãos aparentam tentar interromper, sob um fundo vermelho, um fio de tinta de mesma cor, que cai. Neste seu deslizar, a matéria, que escoa uniformemente sem vida, parece estremecer ao toque intenso daquelas mãos e insistir em continuar desconcertada seu percurso, ao mesmo tempo em que impregna de vibração cromática os membros obstrutores (ou vitalizadores?!).

O gesto da Arte, 2003

Fotografia

Coleção Particular, SP

Muito para além de ser, como ocorre em muitos casos hoje, um mero comentário a respeito do conhecimento sobre a Arte - fundamentado em informações, muitas vezes superficiais, da História da Arte - ou sem se deixar levar por uma metalinguagem vazia e por resquícios caducos da arte conceitual (que vemos invadir exposições), a obra da jovem artista Marcela Tiboni é dotada de uma sensibilidade e intensidade que atribuem ao seu percurso consistência e propriedade e a torna uma das mais vibrantes a surgir, nestes últimos anos, entre nós.

Paulo Trevisan, 2005

outros sites:

http://www.artenauniversidade.ufpr.br/muvi/artistas/m/marcela_tiboni/marcela_tiboni.htm

http://braziliandrawsandpaints.blogspot.com/

Elaine Porta - Pintura: Dança das Cores

2006-10-10T06:43:00.001-07:00

As pinturas de Elaine são a apresentação da cor em conjunção dançante com a linha. Um conjunto de cores vivas que se rebatem por entre o desenho sinuoso de suas figuras. Nestas telas, os vermelhos se enlaçam com verdes claros e azuis. Os campos ocupados pelo cromatismo dão vida à euforia que contém a linha, nas formas de mulheres. O casamento da intenção com a forma é a alegre apresentação de figuras soltas, grafitescas, elegantemente desengonçadas. O contorno bem marcado destas mulheres zodiacais são representações de conjunções astrais marcadas pela Lua – de energia que impulsiona a dinâmica feminina na vida -, também se respaldam na despretensão astuta da fatura da criança. Se, então, o resultado é um feliz colorido cercaneado pela energia da linha que baila – o que revela a sinceridade do procedimento – este não se faz menos reflexivo e atento. Na obra de Elaine Porta a procura pela adequação do motivo à realização se mostra plena. Plena e intensa: tanto pela natureza da cor como pelo traçado da linha.

Paulo Trevisan

São Paulo, 2004

Pra começar - Falar De Arte

2006-10-01T17:22:00.000-07:00

Escrever é sempre uma tarefa complicada. Exige organização, paciência e motivação. E, escrever sobre Arte parece se fazer ainda mais difícil. Não obstante às demandas acima apontadas, a escrita sobre a Arte se revela mais árdua por ser trabalhada em terreno movediço, em sítio de espelhamentos e projeções.
Penso que a Arte (e, por extensão, tudo aquilo que a ela se relaciona) se configura como um poliedro laminado por espelhos que pode revelar possibilidades de combinações diversas em suas projeções. Combinatórias de projeções do indivíduo que se debruça sobre tal objeto - e o gira na mão, e também aquelas do mundo que envolve tanto o objeto como o observador. Contudo, esta visão multifacetada e plausível de arranjos – de nós e do mundo - parte do objeto, do reflexo de suas faces.
Acredito ainda que escrever sobre Arte é escrever sobre a cultura em câmbio. Nunca temos o objeto de arte por si só. Quando isso ocorre estamos trabalhando com o insuficiente. É claro que o objeto também se comunica por ele mesmo – naqueles aspectos que lhe são possíveis – os formais quase sempre. Porém, toda obra está impregnada da motivação que a desencadeou, e esta, por sua vez, não está livre de sua construção no tempo e no espaço. Portanto, falar de Arte é falar da experiência humana através dos tempos. É falar do pensamento encarnado e perplexo - consigo mesmo e com o mundo que o criou.
Neste blog me disponho a tratar da Arte. Aventuro-me porque o desafio assanha meu espírito. E a complexidade testa meus limites. E, como num jogo, vibro embalado entre sensibilização e ato de intelectualizar - nunca sabendo qual motivou qual.
Nestes textos, não procuro discorrer sobre “verdades” já ditas, mas sobre minhas vivências com obras e artistas. Não prego uma unilateralidade, uma vez que as obras abrem possibilidades distintas para cada receptor. Mas, como não admito o subjetivismo exacerbado, me detenho na sua existência real e no que em mim é motivado a partir do que ela me informa.
Também, não promovo, nestes escritos, uma pesquisa acadêmica que se proponha definitiva sobre algum assunto, e nem carrego, desta referência (produção de textos para a academia) a necessidade de se fazer legítimo por meio de citações (de textos anteriores ou de “autoridade”). Traço aqui um encontro íntimo entre mim e as obras, entre mim e o mundo.
Se, por ora, usar de juízos de valor, gostaria já, de antemão, apresentar os caminhos por que passei para emiti-los:
1- um juízo é resultado de uma comparação;
2- deve se dar de maneira claro para que aqueles que venham a ter contato com ele possam entendê-lo como legítimo ou não. E, pela transparência de sua estruturação, ser este juízo passível de discordância - fundamentada em argumentação que se articule sobre os mesmos pontos estruturais utilizados para a edificação deste;
3- uma obra pode ser analisada tomando outra como interlocutor;
4- uma obra pode ser discutida e avaliada dentro do percurso de seu autor;
5- um autor pode ser estudado, pelo seu percurso, tomando a trajetória de outro como contraponto;
6- uma obra, um autor, ou um percurso artístico podem ser analisados dentro de sua época, assim como fora dela. Para que isso se sustente e se torne lícito é necessário apontar os critérios adotados nesta articulação.

Procurarei me manter atento ao modelo de mídia escolhido (blog) e respeitar suas características: textos breves e atualização permanente.
Para aqueles que acessarem este blog, espero que possamos, por meio dele, compartilhar o gosto pela arte e pela discussão contínua que ela promove.
Então, dados os primeiros passos, não nos demoremos mais. Adiante, andemos nesta nossa longa caminhada.

Por hora, pra começar, é isso!!!

Até mais!!!!